电影配乐发展历程「电影配乐经历了何种发展电影少了配乐变成什么」

即使过了几十年，人们依稀记得大白鲨带来的恐惧

巧妙的是，大白鲨的凯旋之战，没有尖牙利齿，只有越走越紧凑的乐符，就在此刻，观众还有剧中人物形成意识之外的连接，共享了恐惧的滋味，而这之所以可能，全有赖于电影作曲家约翰威廉斯的一双巧手。

你是否想过，电影少了音乐会变成什么？比如《金刚》攻顶帝国大厦时，没有气势磅礡的管弦乐？又或是《洛基3》少了热血激昂的〈Eye of The Tiger〉，你的心还会跟着剧情而跃动，甚至开始摇摆身体吗？

答案显然是否定的，就算理智上明白，剧情的发展与走向，但少了音乐这个催化剂，我们的感性无法被点发，电影之于人的共鸣与共振，就像盐酥鸡少了九层塔，总是有一点不来劲！

在《电影配乐传奇》中，作曲家将音乐比喻成情绪乳液，意即润湿观众的情绪感官，提升剧情的吸收力，并且运用鲜明的乐符、节奏与旋律，将感知到的情绪印入心底，促使相关感动被稳固保存，以利后续推展、延伸与变化。

由此可知，电影配乐，不是因为要避免沉默、尴尬，才被拿来填充空白，更有它的艺术性与用意。所以，电影配乐不会反客为主，将电影当成推销歌曲的MV，乐曲意境还要能衬映电影的诗意，以构筑出立体的观影。

因此，如同主演《超人》的克里斯多福所表明的：「少了强而有力的配乐，超人可飞不起来！」，但电影配乐到底如何出现，并且成为第八艺术中不可或缺的环节呢？

按照《电影配乐传奇》的说法，一八九五年电影诞生之时，配乐就同步诞生了，如同双生子一般。

换言之，默片时代的电影，就已经有配乐，而默片也从来不是无声的，但在一开始，电影配乐，确实是因为要掩盖放映机的吵杂声响，一种因应限制、缺陷而来的应变手段。

默片时代的戏院通常会聘请乐手驻点，再按情节，应用钢琴或剧院管风琴即兴演出。

至此，默片电影，不是在拍摄完底片就完成，而是要到播放时，叠加现场的演出才算真正完工；本因技术限制而产生的应对措施，行之有年，变成风靡世界的艺术亮点，即便是最小的戏院，都有合作的乐手，高档戏院还以现场管乐团做为行销卖点。

有趣的是，即兴演出的方法，使得每一次的电影播放，都有不同的感官体会。

然而，即兴演出的美好，对应着风险，意即乐手的能力，将会大幅影响电影配乐的呈现，若其创意有限，可能导致不同的电影，听起来都是同样的乐曲在轮流更换。

再者，相较于乡村，都市更容易招募到优秀的乐手，创意灵活多变，乐曲的知识也相比丰厚，并且有技术去实践，例如弹奏肖邦的〈Nocturne Op.9 No.2〉来为电影带出层层堆叠的忧郁、黯淡与宁静。

最终，乡村跟都市的资源差异，促使电影欣赏于艺术层次上，具有明显的落差。

所以，为了确保电影质量均衡，不少戏院会采用固定化的乐谱来演出，好比综艺节目常有的【罐头音效】，结尾、开心、难过、刺激或是滑稽都有专属的旋律。

想当然，若资本俱全，当时的电影公司，同样愿意为电影打造专属的配乐，再由现场的乐团或乐手来按谱演出，进而在高贵的大戏院，提供高贵的观影旅途。

其中，电影《吉斯公爵谋杀案》就与知名作曲家圣桑合作，联手打造出史无前例的电影原创乐曲，依乐评人李永忻的说法，这实属「历史第一曲」丈量电影剧情而成的音乐作品。

回首来看，这个历史第一，或多或少具有商业考察，但也确实打开电影配乐的大门，让音乐的主体性被凸显，不再只是电影制作上的次等公民。

以此来说，回温卓别林系列，特别留意音乐的话，就会发现整部作品非常热闹，丰富的肢体语言搭配多层次的配乐，情绪与故事交织交缠，捕捉住观众的眼珠与耳朵，也紧捉住口袋中白花花的钞票。

由此可知，电影配乐的出现，其属无心插柳，但也让电影制作看见音乐与图像的加乘效果，为此，影与音不只一拍即合，还总是如胶似漆，后期像是黑胶、留声机，同样都可以从电影工程中看见其身影。

随后，因应科技的进步，一九二零年代，有声电影的技术越来越成熟，直到一九三零年代，俨然成为全球风潮，这让电影配乐的制作，又朝着更加精致的路径来前进，并且不再受限于场地限制。

综前所述，关于电影配乐的起源已有足够的发展，让我们迈入下一个阶段，继续拨开电影配乐的神秘面纱，包含米老鼠之于电影配乐的影响，以及乐音的高低走势，怎么影响人的脉搏起伏。

时间快进到一九三零前后，如前所述，有声电影慢慢成熟，但要如何操作，从业人员彼此还没有共识，直到迪斯尼经典动画【威利汽船】，才有了具体的参考标竿。

作为有声动画的开拓者，迪斯尼将画面与音乐完美地揉合在一起，使配乐就像一面镜子，映照出画面的意涵、表达与轮廓。

从此之后，匹配画面来表现的配乐技法，就被称为「Micky Mousing」，如此方便、具体、易懂且还能带来增强效果的技法，一瞬间蔚为风潮，一九三零至四零年代，就是米老鼠技法的全盛时期，并且以《金刚》最为突出且经典，其配乐几乎全程都匹配着画面在走。

通常来说，米老鼠技法带有卡通、滑稽感，让它不只适用于动画或游戏，还时常搭配喜剧电影来呈现，但也因此，米老鼠技法不完全适用于每部电影，好比说悬疑电影，过度填充配乐的话，反而会有反效果，干扰观众的投入与情感酝酿。

来到一九五零年代，米老鼠技法的使用大幅锐减，一是因为技法实在太过单纯，难以突破原有的框架，假若画面本就一团糟，配乐不仅无法加分，还会放大作品的劣势。

再来，受限于匹配这个目的，作曲家的创意被圈地，创作的空间被限缩，丢失了灵魂的乐符，自然无法动人心弦。

最终，压倒米老鼠技法的稻草，还有观众，多数人都对单调的配乐感到厌腻，谈情说爱就放浪漫的音乐，失落难过就播悲伤的歌曲，让图像作品失去了活力，还让观众没了兴趣。

即使米老鼠技法不再像以往一样流行，这不代表它消失了，而是转型成更为细致的存在，现今仍然可以从不同的作品中发现它，《天外奇迹》的开场就以艾莉的主题曲来贯穿，综合旋律、节奏与音色的变化，引领观众缓缓走过卡尔的一生与跌宕。

除了米老鼠技法之外，电影配乐当然还有各种门派与招数，就算不像米老鼠一样稳坐时代龙头，不代表其艺术表现有半分缩水，甚至不断推陈出新、更胜以往，百花齐放之下，一九三零至六零年代的好莱坞，又被后世称为电影配乐的黄金时期。

后续的五、六零年代，电影配乐承袭了古典浪漫，还因应潮流走向，摆入摇滚乐与爵士乐；七、八零年代，则顺应流行乐坛，引入迪士尼与电子音乐，众多知名配乐作品，像是约翰威廉斯的《星际大战》、《大白鲨》、《法柜奇兵》或是《E.T.外星人》，皆于当时诞生。

直到现在，世界上也都还耳熟能详这些经典旋律；九零年代之后，电影制作人员意识到流行音乐的局限性，于是又重回古典音乐的怀抱，再加上电影产业的蓬勃发展，编组百人的交响乐团来录制配乐，根本家常便饭，诸如《神鬼战士》、《魔戒》或是《英雄本色》都有磅礡的音乐表现。

千禧年开始，地球村的概念渐渐浮现，有赖于网络与科技的进步，除了古典乐与流行音乐，各个民族、文化或区域的特色音乐，都有机会在电影中展露头角。

举例来说，由小劳勃道尼主演的《福尔摩斯：诡影游戏》，配乐操刀手汉斯季默就放入了吉普赛音乐，进而在聪明、优雅或机敏的框架上，也为电影注入奔放与欢闹的调性。

至此，透过这趟简单的时光旅行，笼罩电影配乐的迷雾，因应历史轮廓的清晰，有所退去，但这无法解释，为何作曲家能有魔力，动动手指，在乐谱上勾画几个小黑点，就能拉扯、搅拌人的情绪。

在摄影技术发明前，音乐就已驻扎在人的心底，音乐的影响力不证自明，甚至能跨越种族的藩篱，化身成世界共通的语言。

随着乐符的一进一出，人的情绪潮起潮落，这些被科学家称为空气振动的现象，就是如此神奇，能够帮助人甩开语言的禁锢，深潜至情感的殿堂。

也因此，要让人对于大白鲨感到恐惧，不用血盆大口，只要两个紧凑的乐符，就足已绷紧人的头皮。

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